Andrea de Ranieri nasce a Pisa nel 1975. Dopo gli studi di architettura e un’intensa esperienza nel design, concentra la propria ricerca sulla pittura e sulla scultura, facendone dal 2013 la sua professione. La formazione progettuale non rimane sullo sfondo: diventa un modo di pensare l’opera come costruzione, equilibrio di forze e superficie capace di trattenere il tempo.

Il centro della sua ricerca è l’astrazione. Non un’astrazione decorativa, ma fisica e concreta, nella quale il materiale partecipa alla nascita dell’immagine. Cemento, legno, cera, pece, smalti, oli e fili di cotone o lana vengono messi in relazione attraverso sovrapposizioni, resistenze, colature e combustioni. Il gesto stabilisce una struttura; la materia introduce l’imprevisto. L’opera nasce precisamente dalla tensione fra controllo e possibilità.

La conoscenza dell’architettura e dei materiali da costruzione consente a de Ranieri di spostare elementi estranei alla tradizione pittorica dentro il linguaggio del quadro. La superficie non è un semplice supporto: è un campo di pressione, una pelle attraversata da fratture, rilievi, tracce e compartimenti cromatici. Ogni lavoro conserva la memoria del proprio processo senza trasformarlo in puro esercizio tecnico.

La figurazione, gli Zuki, le maschere, le immagini animate e i progetti legati alla memoria collettiva costituiscono aperture laterali della stessa ricerca. Sono pensieri di passaggio, deviazioni necessarie, strumenti con cui osservare il presente e rimettere in discussione il linguaggio. Non rappresentano una direzione alternativa: anche quando appare una figura, tutto tende nuovamente verso l’astrazione, che rimane il luogo più autentico e profondo del suo lavoro.

Questa libertà di attraversare discipline differenti non produce dispersione. Al contrario, permette a forme nate anche a distanza di anni di ritornare, trasformarsi e generare nuovi cicli. La coerenza dell’opera di de Ranieri non dipende dalla ripetizione di uno stile, ma dalla persistenza di alcune domande: quanto può resistere un’immagine, quanta materia può contenere, e in quale punto l’ordine deve lasciare spazio all’accidente.

Nel 2013 partecipa alla sua prima esposizione ufficiale a Pietrasanta insieme a Carole Feuerman. Questa esperienza gli permette di stabilire i primi contatti con istituzioni artistiche internazionali.

Nel 2014 partecipa a Universocorto Film Festival presentando un’installazione monumentale. Nello stesso anno iniziano le collaborazioni internazionali con Marzia Frozen Gallery di Berlino e con Saatchi Art, che pubblica l’intervista Inside the Studio.

Nel 2015 presenta una personale a Marble Weeks, Carrara, e inizia una collaborazione con Galerie de Francony, Francia, tuttora attiva. Nel 2016 avvia la collaborazione con Art Sleuth, Hong Kong. Le partecipazioni ad Affordable Art Fair Milano, Arte Genova e Lucca Art Fair contribuiscono a far conoscere il suo lavoro sul territorio nazionale.

Nel 2017 collabora con Laura Pivetta di ArtMê, Londra; segue la mostra milanese Artlù. Nel 2018, in occasione della mostra Propaganda, viene intervistato dal portale francese Singulart.

Nel 2018 nasce il progetto SACRED, concepito per restituire importanza al pensiero critico e rendere nuovamente “sacri” concetti e figure dimenticati nel tempo. Persone, animali e natura vengono incoronati con la classica aureola: l’antica iconografia è così sottratta alla tradizione e riportata nel presente.

Nel 2019, in collaborazione con l’Università di Pisa, nasce SACRED — Ripensare l’arte antica, progetto dedicato alla rilettura contemporanea delle statue greco-romane. Nello stesso anno si trasferisce a Miami, dove realizza un reportage fotografico successivamente trasformato in opere grafiche, con l’intento di svelare il degrado umano nascosto dietro il sogno americano.

Nel 2020 inizia la collaborazione con UB-Art Milano, che nel 2024 lo porta a esporre anche a Barcellona. Nel 2021 presenta una grande mostra dedicata a SACRED nella fortezza della città di Pisa, uno spazio di oltre 2.000 m² dedicato alla sua ricerca figurativa.

Nel 2023 apre il proprio studio d’arte di oltre 200 m², dove lavora ed espone le sue opere. Nello stesso anno ottiene un nuovo riconoscimento internazionale entrando nel catalogo di Saatchi Art.

Negli anni successivi la ricerca prosegue senza interrompere il dialogo fra pittura e scultura. I cicli astratti vengono approfonditi attraverso opere di dimensioni sempre più importanti, mentre la materia diventa insieme struttura, colore e memoria del gesto. Le esperienze figurative continuano ad affiorare ai margini, per poi rientrare nel processo astratto e alimentarlo con nuove tensioni.

Oggi de Ranieri sta trasformando un piccolo spazio indipendente in una propria galleria d’arte. Il progetto, attualmente in fase di ristrutturazione, nasce come estensione naturale dello studio: non soltanto un luogo espositivo, ma uno spazio vivo nel quale presentare opere, progetti e passaggi della ricerca con maggiore libertà. L’apertura è prevista nel prossimo futuro.

Il percorso rimane aperto. Ogni serie, ogni esperimento e ogni ritorno confermano una posizione precisa: per Andrea de Ranieri l’astrazione non è una delle possibilità dell’arte, ma il punto verso cui tutte le immagini, prima o poi, ritornano.